А. Майкапар - Филадельфийский музей искусств Страница 10

У Дега есть еще одно полотно на тему разлада между мужчиной и женщиной, причем того же времени, — «Интерьер с двумя фигурами» (1869, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Очевидно, некая драма волновала художника, когда он писал эти произведения. Оба были и остаются предметом дискуссии по поводу их содержания и, собственно, персонажей. Мастер охарактеризовал филадельфийскую картину как жанровую. В обеих сценах персонажи не общаются, они разведены по сторонам. Их изолированность — знак очевидного отчуждения, то привычно обыденного (на петербургской работе), а то драматического (на филадельфийской.)

Танцовщицы — страсть Эдгара Дега. На ряде картин запечатлены его любимицы в разные моменты — в минуты подготовки к выходу, триумфа, усталости и опустошенности, апатии и восторга. За кулисами балетной сцены художник был человеком, которому позволялось многое. Его можно считать живописцем-папарацци артисток. Мастера интересуют миг, поза в какой-то момент, движение. Вряд ли можно назвать другого художника его времени, который так передал бы все это. Кажется, что быстроте смен позиций балерины должна соответствовать быстрота их живописной фиксации. Стоит вспомнить скорость вспышки фотоаппарата. Создается ощущение, что и картина писалась очень быстро. Однако нет. Из приведенных дат следует, что мастер работал над ней минимум два года, но при этом непосредственность и яркость образа не потускнели и не поблекли.

Дега — великий мастер колорита. Чего стоят яркие красные пятна — цветы на фоне белой пачки!

Эдуард Мане — французский живописец, гравер, один из родоначальников импрессионизма.

Эта картина известна и под несколько иными названиями — «Кружка пива», «За кружкой пива». История ее создания связана с поездкой художника в 1872 в Нидерланды, где его восхитили полотна Франса Халса. Мане вознамерился написать нечто в стиле «Веселого пьяницы» старого мастера. Вернувшись в Париж, он приступил к работе. На счастье, нашелся идеальный натурщик — один из завсегдатаев кафе «Гербуа», в котором Мане любил бывать, литограф Эмиль Белло. Тот безропотно позировал (более 80 сеансов!) прямо в кафе. Это можно было сделать, только испытывая полное удовлетворение от жизни и пребывания в данном заведении, что и передано на холсте: Белло удобно расположился в кресле за столиком, в левой руке — бокал с пивом, в правой — белая глиняная трубка.

Примечательны судьбы полотна и модели. Работа оказалась принятой жюри Салона 1873 и произвела на выставке фурор. Она тут же была растиражирована в фотографических репродукциях, а вскоре стала вывеской одной из пивных в Латинском квартале. «Сам Белло, озаренный успехом картины, успел войти в роль ее героя, — написал биограф художника Анри Перрюшо. — Кисть Мане навеки превратила литографа в любителя пива: в глазах публики он стал тонким знатоком таинственных операций с солодом и дрожжами, в результате которых получается забористый портер и крепкое пиво, почитавшееся еще фламандскими гезами. Чему только не бывают обязаны судьбы человеческие! Основав художественно-литературное общество „Пивная кружка“ с ежемесячными обедами, модель Мане закончила жизнь владельцем и директором корпоративной газеты „Эхо французских пивных“».

Жан Франсуа Милле — французский художник, один из основателей барбизонской школы. Он прославился любовным воплощением образов крестьян и их тяжелого труда.

Данную картину мастер написал в самом конце своей жизни. В ее основе лежит рассказ из его раннего детства о небывалом нашествии диких голубей. Это было буквально стихийным бедствием. По ночам птицы садились на деревья, крестьяне ослепляли их светом факелов и добивали палками.

Милле создал невероятно живописное произведение на такую прозаическую, если не сказать отталкивающую, тему. Вот, пожалуй, главное, что поражает. Хотя слава художника зиждется на картинах с низкими по иерархии жанров сюжетами, представленное полотно в его наследии стоит обособленно. Восхищает мастерство в передаче света, однако понятно, что действие происходит ночью. Также удивительно воплощена динамика происходящего — действовать следовало быстро и энергично. Ясно, что бедствие принесло огромный ущерб крестьянскому хозяйству, которое было семейным, и на борьбу с напастью выходили всем кланом, очевидно, это и изобразил Милле. Благодаря почти импрессионистической манере письма ничто не прописано ясно, но все ясно воспринимается зрителем — в этом великое искусство.

Томас Икинс — американский художник, фотограф, педагог, один из основоположников национальной реалистической живописи. Он жил и работал преимущественно в Филадельфии.

Плавание в разных его формах было одной из сфер жизненных интересов Икинса и, естественно, оказывалось также в круге его художественных предпочтений. В большинстве картин с его изображением живописец уделяет внимание, прежде всего, позам и движениям гребцов. В филадельфийской же картине фигуры играют второстепенную роль. Гораздо более важна красочная палитра и колорит: художник передает водную стихию… коричневым тоном. Восхищение вызывает разнообразие оттенков этого цвета.

Томас Икинс, имея склонность к медицине, изучал человеческое тело, результатом этого исследования явилась данная картина — одна из наиболее известных у этого автора. Она перекликается по теме со знаменитой «Анатомией доктора Тульпа» Рембрандта. На холсте изображен известный хирург, оперировавший больного в окружении студентов. Действие происходит в аудитории Медицинского колледжа Университета Джефферсона в Филадельфии. Семидесятилетний знаменитый доктор стоит в центре, он только что сделал операцию, держит скальпель, и его рука в крови. Интересно наблюдать реакцию публики на происходящее. Среди зрителей Икинс представил себя самого: в амфитеатре, слева от прохода. Он что-то записывает, а скорее, делает зарисовки происходящего. Контраст темных одеяний медиков, сосредоточенно напряженные выражения лиц и ярко освещенное обнаженное тело больного — все это создает драматическое ощущение. Высказывалось предположение, что пациент в данной операции — подросток, этим объясняется присутствие женщины (рядом с хирургом), для которой зрелище оказывается невыносимым: она закрыла лицо руками, ее пальцы окаменели в нервной конвульсии.

Работая над картиной, художник сделал ряд этюдов и набросков. Многие из них хранятся в Филадельфийском музее искусств. Натурализм в передаче хирургической операции шокировал современников. Критика резко отрицательно отнеслась к произведению. Тогда оно было продано всего за 200 $ (для сравнения: на аукционе 2006 музей приобрел этот холст за 68 млн $).

Пьер Огюст Ренуар — французский живописец, график и скульптор, один из основателей импрессионизма.

На протяжении первых двух десятилетий своей карьеры он постиг много нового и важного в технике письма, рисуя многочисленные пейзажи. Быть может, свободный от опасений и волнений за реакцию зрителей, которые испытывает портретист, создавая образы современников (кто-то мог бы быть задет или оскорблен, увидев свое изображение в импрессионистической манере), мастер целиком окунулся в самые смелые эксперименты — в колорите, форме, композиции. Период зрелости импрессионистов, лучшее десятилетие в их творчестве — 1870-е. Ренуар создал свои шедевры: «Лягушатник» (1869), «Семья Анрио» (1871), «Понт Неф» (1872), «Всадники в Булонском лесу» (1873), «Ложа» (1874), «Прогулка» (1875), «Качели» (1876), «Бал в Ле Мулен де ла Галетт» (1876) и лучший из лучших — картину «Большие бульвары».

В XIX столетии на месте средневековых строений выросли «османовские» доходные дома и открылось много кафе и театров. Барон Жорж Эжен Осман, префект Парижа при Наполеоне III, полностью изменил лицо города. Именно в результате предпринятых им преобразований французская столица стала одним из самых красивых городов мира. Большие бульвары огибают длинной дугой северную часть его исторического центра. Это редкий, если не единственный, пример перестройки, получившей столь полное признание уже современников, и искусство импрессионистов — его яркое свидетельство. Их самые пленительные картины запечатлели виды «османовского Парижа».