Е. Иванова - Музей Соломона Гуггенхайма Нью-Йорк Страница 4

В 1900 творец впервые оказался в Париже. Во время своего двухмесячного пребывания в городе он посетил галереи, богемные кафе, кабаре Монмартра. На полотне изображен ресторан «Мулен де ла Галетт» — ветряная мельница, символ ночной жизни французской столицы. Эта первая парижская картина художника свидетельствует о его увлечении знаменитым танцевальным залом, где смешивались блеск и упадок одновременно. Зритель видит богатых, респектабельных мужчин в окружении женщин легкого поведения, их лица напоминают, скорее, искаженные гримасами маски. Пикассо еще предстоит разработать свой неповторимый, индивидуальный стиль, однако для девятнадцатилетнего автора произведение весьма достойное. Яркие цветовые пятна приближают его к протофовистам, а резкие черные контуры — несомненная дань модерну.

Ночная жизнь главного французского города, наполненная удовольствием и развратом, была популярной темой в живописи начиная с конца XIX века. К ней обращались такие художники, как Эдгар Дега, Эдуард Мане, Анри де Тулуз Лотрек — пожалуй, самый беспощадный «летописец» закулисной жизни кабаре. Репродукции работ последнего печатались в парижских газетах, которые продавались и в Барселоне и, несомненно, были хорошо известны Пикассо еще до его поездки. В «Мулен де ла Галетт» сочетаются и личный опыт творца, завороженного наблюдателя за вихрем «дикого» танца, и предшествующая художественная традиция.

Тема труда была популярна во французской живописи конца XIX — начала XX века, начиная от Франсуа Милле и до Эдгара Дега. Простые работники часто идеализировались и представлялись в состоянии блаженной невинности из-за их связи с землей и «хлебом насущным». Пожалуй, никто, кроме Пикассо, раньше не изображал людей из низших сословий с такой остротой и болью. Произведение «Гладильщица» относится к так называемому голубому периоду (1901–1904), когда художник поселился в Париже со своим другом Касахемасом, чье скорое самоубийство оказало на него неизгладимое впечатление. Скитания и бесправие… Молодой неизвестный живописец в полной мере ощутил на себе все тяготы столичной жизни. Изображение женщины за глажкой — квинтэссенция усталости, изломанная истощенная фигура, поникшая голова, черные круги под глазами, кажется, будто жизненные силы вот-вот покинут героиню. Серо-голубой колорит усиливает гнетущее впечатление от сцены. Пикассо выступает не просто сторонним наблюдателем, документирующим быт рабочего сословия, в его «Гладильщице» чувствуется тонкое поэтическое сопереживание персонажу.

В 1904, на исходе «голубого» периода, тяжело переживая смерть друга, Пикассо решил «поменять обстановку» и переехал в один из бедных кварталов Парижа, где его соседями по общежитию Бато-Лавуар оказались бродячие музыканты и циркачи. Художник обратил внимание на высокую смуглую девушку среди них по имени Фернанда и пригласил ее позировать, вскоре она стала его возлюбленной, они пробыли вместе восемь лет.

Постепенно от социальной тематики Пикассо переходил к квазирелигиозным образам. Голова девушки прикрыта мантильей, предметом национального испанского костюма, что, вероятно, является указанием на происхождение живописца и отражает его тоску по дому. Портрет Фернанды находится на пересечении «голубого» периода и кубизма. Изображение экспрессивно и в то же время романтично, лицо модели написано реалистично, отведенные прикрытые глаза придают образу нотки грусти. Объем лепится широкими подвижными мазками, жидкая белая краска на фоне, будто добавленная в последний момент, стекает тонкими струйками, что наряду с размашистыми линиями на стене выдает бурный темперамент художника.

Кубизм, разработанный между 1907 и 1914, по праву считается одним из самых революционных изобретений XX века. Решающим в его развитии был 1911, когда Жорж Брак и Пабло Пикассо творили все лето бок о бок в Сире, во французских Пиринеях. Их картины этого периода очень сложно, а порой даже невозможно, отличить друг от друга. Пикассо писал: «Когда мы „изобретали“ кубизм, мы вовсе не делали это намеренно. Мы просто хотели выразить то, что было в нас самих».

Плоскость предметов разбита на множество мелких, резко очерченных фрагментов, при этом формы еще сохраняют иллюзию объема и перспективы, хотя и представленных в резком сокращении. Здесь аналитический кубизм мастера достигает почти полной абстракции.

На полотне сложно увидеть фигуру аккордеониста, один из предыдущих владельцев принял картину за пейзаж, о чем говорит надпись на ее обороте. Распознать очертания сидящего музыканта можно с трудом, в центре различимы складки мехов. Высказывания Пикассо о том, что музыка никогда всерьез не занимала его, вызывают изумление. Ведь в своих живописных экспериментах он очень часто обращался к теме инструментов и музицирования.

За год до того, как Пикассо написал этот монументальный натюрморт с мандолиной и гитарой, на встрече дадаистов в Париже, было заявлено, что кубизм как художественный метод изжил себя, а «Пикассо пал на поле боя». Вечер завершился беспорядками, успокоить которые смогла только прибывшая полиция. Впоследствии живописец создал девять больших красочных натюрмортов в стиле синтетического кубизма. Смелые приемы коллажа и наложения форм свидетельствуют о несправедливости высказывания дадаистов и утверждают непреходящую ценность этого метода. Но Пикассо не просто повторил свои предыдущие достижения, использование округлых органических форм, а также насыщенных оттенков говорит о его внимании к открытиям сюрреализма, в частности к работам Андре Массона и Хуана Миро. Мягкие линии, орнаментальные мотивы, богатство колористического решения — все это предвестники зарождения чувственного «биоморфного» стиля.

Уникальность фигуры Пикассо в истории искусства заключается в том, что он находился в постоянном поиске и обладал колоссальным трудолюбием. О своем методе работы художник говорил: «Слышать не могу, когда говорят о красоте. Что такое красота? Нужно говорить о проблемах в живописи. Картины — не что иное, как поиск и эксперимент. Я никогда не создавал картины как произведения искусства. Все они — исследования. И сейчас я продолжаю заниматься тем же, и в этих непрестанных исследованиях есть логическое развитие. Поэтому я нумерую и датирую все свои картины. Быть может, в будущем кто-то примет это с благодарностью. Живопись — вещь интеллектуальная».

В 1927 начался новый период в жизни Пабло Пикассо. 45-летний художник познакомился с 17-летней Марией Терезой Вальтер на улице и решил сразу идти ва-банк: «У вас интересное лицо. Я бы хотел написать ваш портрет. Мое имя — Пикассо». Но девушке, далекой от мира искусства, его фамилия оказалась не знакома. Тогда он повел ее в книжный магазин и показал книгу о себе. Только после этого Мария согласилась позировать ему. Эти отношения длились десять лет, поначалу они встречались тайно, так как мастер официально состоял в браке, который трещал по швам, с Ольгой Хохловой, а новая возлюбленная была слишком молода. Но в живописи скрыть свое нежное отношение к модели ему было невозможно. Сон — одно из самых интимных и лирических изображений в творчестве Пикассо. Образ наполнен негой и чувственностью, художник не искажает формы своей избранницы, что свидетельствует о его поэтическом отношении к своей музе. Изящный характерный профиль Марии встречается во многих произведениях живописи и скульптуры, выполненных за время их длительного романа. Мягкие круглящиеся линии, широкие плоскости чистого цвета указывают на кульминацию сюрреалистического периода в творчестве Пикассо.

В своих произведениях Эдгар Дега всегда дает очень точную, а порой даже беспощадную характеристику современной ему жизни. Его героини — артистки цирка, балерины, танцовщицы кабаре, прачки, гладильщицы, проститутки. Сам художник происходил из очень состоятельной семьи банкира Пьера Огюста де Га. Проучившись недолгое время на юриста, Эдгар осознал, что главная его страсть — это живопись. Знакомство с Эдуардом Мане в 1861 буквально перевернуло жизнь Дега. Взяв понемногу от всех открытий своей эпохи — от импрессионизма до фотографии, — художник достаточно быстро выработал свой ни с чем не сравнимый стиль.