Ольга Морозова - Шедевры европейских художников Страница 20

В прихотливой декоративности «Поцелуя» Климт воплотил прекрасный чувственный мир, где соединились строгая мужественность и нежная женственность. Считается, что художник изобразил здесь себя и свою возлюбленную Эмилию Флёге, владелицу дома моды. Их связь продолжалась 27 лет и, несмотря на многочисленные увлечения любвеобильного Климта, стала главной в его жизни.

Анри Матисс (1869–1954)

Красные рыбки

1912. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Одна из лучших картин Матисса была написана после путешествия художника в Марокко весной 1912 года. Все формы этой небольшой композиции даны в резком перспективном сокращении: цветущие кусты, контур плетеного кресла, круглый стол акцентируют прозрачный цилиндр аквариума, в котором плавают красные рыбки.

Мы видим застывшие в воде контуры рыб сбоку и одновременно их же размытые контуры сверху, сквозь толщу воды. Красные рыбки, заключенные в стеклянный аквариум, были для Матисса некоей формулой жизни, пронизывающей все окружающее пространство.

Красная комната

1908–1909. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

В 1905 году на экспозиции парижского Осеннего Салона Матисс показал картину «Радость жизни», и эта тема на первом этапе творчества художника будет часто варьироваться в его произведениях, поскольку он считал, что главное назначение искусства состоит в том, чтобы дарить людям счастье и утешение. К моменту создания «Красной комнаты» сложился и индивидуальный художественный метод Матисса: он начал использовать ритмическую организацию плоскости холста, лаконичный рисунок, контрастные сочетания цветовых пятен. В стремлении обновить язык живописи он использовал интенсивный цвет не для иллюзии правдоподобия, а как средство эмоциональной выразительности. Полотно «Красная комната», где пейзаж за окном кажется висящей на стене картиной, иллюстрирует желание художника представить интерьер, решенный как декоративная плоскость.

Танец

1910. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

«Танец» – одна из парных композиций (вторая называется «Музыка»), написанных Матиссом для особняка Щукина в Москве, олицетворяет связанные между собой элементы праздника, происходящего в воображаемом первозданном мире. Художник видит этот мир словно глазами ребенка и использует для его изображения только три краски, при этом отказывается от объема, глубины пространства и других выразительных средств живописи.

Картина несет огромный заряд энергии, возбуждающий эмоциональный отклик у зрителя. «Жизнь и ритм» – так определил тему картины Матисс.

Анри Руссо (1844–1910)

Нападение ягуара на лошадь

1910. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Живопись Анри Руссо – это уникальное соединение наивности и некоторой неуклюжести, свойственной непрофессиональному искусству, с отточенным мастерством художника, воспитанного на шедеврах Лувра. Невзрачный служащий из акцизного ведомства Парижа (за что Руссо получил прозвище «таможенник») начал писать картины в 40 лет. Он стремился к точности передачи деталей предметов, не обращая внимания на пропорции и перспективу.

Картина «Нападение ягуара на лошадь» входит в серию фантастических изображений джунглей. Руссо никогда не был в Африке и для изображения экзотических растений воспользовался обычными домашними растениями – алоэ, агавой, молочаем. Этот забавный прием придает картине своеобразное звучание.

Жорж Брак (1882–1963)

Дома в Эстаке

1908. Художественный музей, Берн

Исследователи по сей день спорят, кому принадлежит первенство в изобретении кубизма – Жоржу Браку или Пабло Пикассо. В течение 1908–1912 годов сотрудничество Брака и Пикассо достигло такой степени, что их работы были почти неотличимы.

Картина «Дома в Эстаке» относится к начальному этапу кубизма, который принято называть «сезанновским». Брак пытался достичь в своих изображениях сдержанности цвета и раскладывал реальные мотивы на простые геометрические формы. Его «Дома в Эстаке» кажутся кристаллами, проступившими на горной породе, – через это уподобление утверждается красота простейших вещей.

Амедео Модильяни (1884–1920)

Портрет Жанны Эбютерн в желтом свитере

Ок. 1919. Музей С. Гуггенхейма, Нью-Йорк

В 1917 году Модильяни, будучи уже болен туберкулезным менингитом, познакомился с начинающей художницей Жанной Эбютерн, которая стала спутницей Модильяни до последних дней его жизни: он умер в возрасте 35 лет 24 января 1920 в больнице для нищих. Богемная внешность Модильяни, его взрывчатый темперамент, приводивший к постоянным стычкам со знакомыми и незнакомыми людьми, нищенское существование в Париже, скрашиваемое алкоголем и наркотиками, многочисленные любовницы, последняя из которых, Жанна Эбютерн, покончила жизнь самоубийством, выбросившись из окна на следующий день после его смерти, создали романтический ореол вокруг личности художника.

Рене Магритт (1898–1967)

Голконда

1953. Собрание Менил, Хьюстон

Магритт работал в области плаката и рекламы на фабрике бумажной продукции вплоть до 1926 года, когда контракт с брюссельской галереей Сенто позволил ему полностью посвятить себя живописи. Художник прославился как автор остроумных картин-шарад, как, например, «Голконда», где застывшие в воздухе на фоне городских домов одинаковые люди в плащах и котелках напоминают капли дождя. Названия картин, почти всегда поэтичные и при этом никак на первый взгляд не связанные с самим изображением (Голконда – это феодальное государство в Индии в XVI–XVII веках), играют у Магритта особую роль. В полном несоответствии изображения и названия художник усматривал особый эффект восприятия своих произведений: он считал, что скрытая поэтическая связь названия и картины способствуют тому магическому удивлению, в котором он видел предназначение искусства.

Пабло Пикассо (1881–1973)

Любительница абсента

1901. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Испанец Пабло Пикассо, получивший славу во Франции, экспериментировал в живописи, графике, скульптуре на протяжении всей жизни. Он говорил: «Мастерская должна быть лабораторией. Там нет места подражанию, там изобретают. Живопись – это игра ума». В данной картине он обращается к излюбленной импрессионистами теме одиночества человека в большом городе, которая в трактовке художника выделяется горечью и драматизмом даже рядом с работами Дега и Тулуз-Лотрека. В картине есть и перекличка с гогеновским стилем: плоскостность изображения и матовая фактура с обыгрыванием крупного зерна холста. Героиня, не захотевшая искать своего места в обществе, буквально «зажата» узким пространством, «стиснута» между стенами и столиком. Единственное ее забвение в абсенте – «зеленой фее», дарящей забытье. Непомерно длинные пальцы обхватили сжавшееся в предчувствии беды тело. Несмотря на внешнюю низменность сюжета Пикассо удалось создать картину, исполненную патетики.

Девочка с голубкой

1901. Национальная галерея, Лондон

Время с 1901 по 1904 год принято называть «голубым периодом» творчества Пикассо. В это время он создает ясно читаемые композиции на густом синем фоне, где вытянутые фигуры персонажей выполнены четкими и ломкими линиями. Герои этих картин исполнены грусти и бесприютности, чему в немалой степени способствует преобладание синего цвета. Мотив голубя будет встречаться в картинах Пикассо и в дальнейшем – возможно, он связан с его детскими воспоминаниями.

Девочка на шаре

1905. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

С переездом Пикассо в Париж наступает «розовый», самый романтический период в творчестве художника, который еще называют периодом «бродячих комедиантов».