Ольга Морозова - Шедевры европейских художников Страница 17

Завтрак гребцов

1880–1881. Частное собрание

Ренуар не был «чистым пейзажистом». «Природа уводит художника в одиночество, я же хочу остаться среди людей», – говорил он. «Завтрак гребцов» – это групповой портрет друзей Ренуара («собрание развалившихся лентяев», как отозвались на картину критики) в ресторане «Ля Фурнез» в предместье Парижа в Шату. Слева, опершись спиной и руками на перила террасы, изображен сын хозяина ресторана, Альфонс Фурнез. Перед ним за столиком очаровательная беззаботная девушка играет с собачкой – это 20-летняя Алина Шериго, с которой Ренуар окончательно свяжет свою жизнь именно в 1881 году, хотя официальная регистрация их брака состоится только в 1890-м. Напротив Алины, оседлав стул, расположился художник Гюстав Кайботт. Рядом с ним итальянский журналист Маджиоло и натурщица Анжель. Справа в глубине Поль Лот и Эжен Лестринг беседуют с актрисой Жанной Самари. Особенно очаровательно выглядит на фоне яркой зелени юная Альфонсина Фурнез в желтой соломенной шляпке (будущая «Девушка с веером»).

Обнаженная

1876. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Ренуар считал, что задача художника – научить людей ценить простые радости жизни: природу, которая каждый день дарит радость своей изменчивой красотой, великолепие цветов, прелесть женщин. Он оставался «живописцем счастья» на протяжении всей своей жизни, невзирая на общественные потрясения, войны и личные невзгоды. «Для меня картина должна быть всегда приятной, радостной и красивой, да – красивой! В жизни достаточно скучных вещей, не будем фабриковать еще новых. Я знаю, трудно добиться признания того, что живопись может быть очень большой живописью, оставаясь радостной».

Ренуар был выдающимся колористом. В 1880-е годы в его творчестве наступает «перламутровый период», когда художник пишет много обнаженной женской натуры. Одним из шедевров этого времени является картина «Обнаженная», за которой закрепилось неофициальное название «Жемчужина» благодаря мастерски выписанному телу женщины.

Портрет Жанны Самари

1877. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Ренуар особенно любил писать молодых женщин и маленьких детей, потому что у них «кожа пропускает свет». По свидетельству современников, актриса театра «Комеди Франсез» Леонтина Паулина Жанна Самари так его вдохновляла, что как только она входила в мастерскую, он сразу хватался за кисти, забывая даже поздороваться с ней. Вспоминая о ней, Ренуар говорил: «Какое восхитительное лицо! Какая кожа! Она освещает все вокруг». Художник выполнил несколько портретов Жанны Самари, среди которых наиболее популярен погрудный портрет из собрания ГМИИ. За исключением Дега, импрессионисты не стремились дать в портрете психологическую характеристику модели, для них было важно уловить и передать ее сиюминутное настроение. В исполнении Ренуара образ актрисы очаровывает своей непосредственностью, внутренней гармонией и поэтичностью, недаром портрет еще называли «Мечтательность» или «Грезы».

Камиль Писсарро (1830–1903)

Красные крыши

1877. Музей д’Орсе, Париж

Писсарро внес огромный вклад в становление и развитие импрессионистической живописи. Стоит отметить, что из всех импрессионистов он был наиболее теоретически подкован, первым среди своих коллег отказался от использования в живописи битума (черной краски) и сиены (холодной коричневой краски), изменив соотношение пигментов на палитре в пользу более светлых тонов. Писсарро не привлекали сцены развлечений Парижа. Поселившись в 70-х годах в городке Понтуаз, он писал в основном сельские пейзажи.

Один из самых известных пейзажей Писсарро, «Красные крыши», показывает, что на зрелом этапе творчества художник пытался упорядочить мазок и создать, в противовес своим прошлым пленэрным исканиям, некий долговечный «монументальный» импрессионизм.

«Величие творчества Писсарро заключается в его даре добиваться полного единства того, что он видит, и того, что он чувствует. В его картинах воплощены подлинные ощущения, переданные совершенной, лишенной какой-либо вычурности живописной техникой. Эта способность сохранить со всей непосредственностью первое впечатление и придает искусству Писсарро его сияющую свежесть…»

Альфред Сислей (1839–1899)

Мост в Вильнёв-ла-Гаренн

1872. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Наводнение в Пор-Марли

1876. Музей д’Орсе, Париж

Сислей посвятил свою кисть «чистому» пейзажу. Это был утонченный художник с ранимой душой, лишенный тяги к бунтарству. Его картины отличает тонкое чувство цвета и отличное знание различных состояний природы, что придает им узнаваемость и достоверность. Особое внимание в своих работах художник уделял изображению неба, которое часто занимает у него бо́льшую часть холста, неся основную эмоциональную нагрузку. Он говорил: «Средством должно быть небо (небо ни в коем случае не может быть только фоном)».

В своих картинах Сислей использует открытия импрессионистов для изображения света и окрашенной тени. Короткие сверкающие мазки, которыми написана поверхность воды, напоминают манеру Моне, однако техника Сислея отличается большей тщательностью и ясностью формы.

Эдгар Дега (1834–1917)

Абсент (В кафе)

1876. Музей д’Орсе, Париж

Склонный к уединению, Дега был чуток к чужому одиночеству и сумел увидеть не только свойственный парижской жизни гедонизм, но и разобщенность людей в большом городе. В знаменитой картине «Абсент» Дега удивительным образом передал атмосферу взаимного равнодушия сидящей в тягостном алкогольном забытьи пары. Их фигуры смещены в правый угол композиции, а пустой стол на переднем плане еще больше отгораживает их от зрителя. В начале XIX века абсент – дешевый дурманный алкоголь, был популярен в бедных кварталах Парижа. Во времена Дега он стал модным напитком среди всех слоев общества. Многие художники запечатлели в своих полотнах любителей абсента, но, пожалуй, только в картине Дега столь пронзительно ощущается его горький вкус, который сродни горечи одиночества.

Для картины позировали художник Марселен Дебутен, постоянный участник встреч импрессионистов, и драматическая актриса Элен Андре, которая также была дружна с импрессионистами и не раз позировала им.

Голубые танцовщицы

Ок. 1899. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Эдгара Дега недаром называют «живописцем балерин». Он посвятил теме балета почти 40 лет своей жизни, создав около 600 рисунков, картин и офортов.

Восхищаясь представлениями на сцене, художник тем не менее в первую очередь обращает свой взор к закулисной жизни театра, создавая новую, ни на что не похожую красоту, лишенную правильности. В его картинах и рисунках нет ничего окончательного, застывшего, завершенного – начиная с композиции, случайной, обрезанной, схваченной с неожиданного ракурса, и заканчивая по-новому увиденными образами. Танцовщицы готовятся к выходу на сцену: поправляют бретели, завязывают балетки. Их лица худы и некрасивы, а движения – угловаты. Но мы знаем, что на сцене они преобразятся: зазвучит музыка, их спины выпрямятся, руки округлятся, и возникнет та упоительная иллюзия неземной красоты и гармонии, которую называют волшебством танца.

Причесывающаяся женщина

Ок. 1886. Пастель. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Испытывая проблемы со зрением, Дега после 1880-х годов часто работал пастелью, выполнив в этой технике серию с изображением обнаженных женщин за туалетом. Прирожденный рисовальщик, Дега ценит пастель за возможность соединить воедино линию и цвет. В «Серии обнаженных женщин, купающихся, моющихся, обсыхающих, вытирающихся, причесывающихся или причесывающих друг друга» художник стремился передать максимальную естественность поз и движений занятых туалетом женщин, избежать впечатления позирующей фигуры. Он говорил, что хочет застать свою модель врасплох, «увидеть ее словно сквозь замочную скважину», когда она не подозревает, что на нее кто-то смотрит. Вот и на этой картине фигура женщины написана с близкой точки обзора, со спины, что придает полотну особую интимность. Легкие штрихи и мягкое мерцание пастели передают почти осязательное впечатление обнаженного тела.